J’AI BESOIN D’AIR, C’EST POUR ÇA QUE JE FUME

Aborder l’inceste au théâtre est un acte courageux, le faire en racontant sa propre histoire l’est plus encore. Avec J’ai besoin d’air, c’est pour ça que je fume, Clémence de Vimal relève ce défi vertigineux en proposant un seule-en-scène d’une rare intensité, où la gravité du propos cohabite avec une étonnante légèreté. Un équilibre particulièrement précieux, qui permet d’aborder l’indicible sans jamais enfermer le récit dans la douleur.

Clémence de Vimal choisit une approche profondément intime : elle ne raconte pas simplement une histoire, elle ouvre la sienne. La pièce prend la forme d’un journal intime dans lequel elle nous invite à entrer, nous dévoilant ses blessures, ses doutes et ses fragilités. Une parole sincère qui donne au spectacle une force émotionnelle immédiate.

La pièce semble parfois emprunter au conte, notamment dans l’évocation de l’enfance, où le réel est comme sublimé, adouci, transformé pour rendre le monde plus supportable. Cette douceur passe aussi par une scénographie inventive et malicieusement décalée — je pense notamment à ces objets démesurés qui suscitent des sourires inattendus, presque salvateurs.

La mise en scène regorge d'autres idées fortes, comme cette robe “en kit” que la comédienne dépouille progressivement, symbolisant cette parole se libère. Un geste simple, mais d’une puissance symbolique évidente, qui accompagne tout le parcours du spectacle.

Sur scène, Clémence de Vimal impressionne. Seule, elle incarne une multitude de personnages sans jamais perdre le spectateur. Chacun existe pleinement, avec précision, parfois même avec un décalage presque jubilatoire qui vient enrichir encore la palette émotionnelle. Mais c’est surtout la puissance du texte qui marque : sa capacité à mettre des mots sur ses maux, à dire l’indicible sans jamais céder au sensationnalisme.

Malgré l’humour qui traverse la pièce, jamais la détresse d’Élisabeth — son alter ego — ne disparaît. On reste constamment immergé dans son combat, dans ce parcours du combattant pour faire reconnaître les viols qu’elle a subis. Cette tension permanente entre gravité et légèreté ne dilue jamais le propos ; elle le rend au contraire plus accessible, plus humain, plus universel.

Car c’est bien là que réside la grande réussite du spectacle : dans cet équilibre subtil entre douleur et douceur. Entre effondrement et reconstruction. Entre rire et larmes. Une oscillation permanente qui crée une empathie profonde et durable.

Derrière le récit, il y a aussi un message. Un message d’espoir et de courage adressé à toutes celles et ceux qui subissent encore ce fléau, malheureusement bien plus répandu qu’on ne voudrait le croire. Et malgré le tabou, malgré la violence du sujet, c’est une immense pudeur qui se dégage du spectacle — ainsi que l’amour bouleversant que la comédienne porte à sa mère.

À la fin, le silence n’est plus tout à fait le même. La pièce continue de résonner longtemps après, comme une invitation à parler, à briser ce qui doit l’être. Et c’est sans doute là sa plus grande force : transformer une histoire intime en un élan profondément universel.